Сергей Василиевич Рахманинов |

Сергей Рахманинов

И имах родна земя; Той е прекрасен! А. Плещеев (от Г. Хайне)

Рахманинов е създаден от стомана и злато; Стомана в ръцете му, злато в сърцето му. И. Хофман

„Аз съм руски композитор и моята родина е оставила своя отпечатък върху моя характер и моите възгледи. Тези думи принадлежат на С. Рахманинов, великият композитор, блестящ пианист и диригент. Всички най-важни събития от руския социален и художествен живот са отразени в неговия творчески живот, оставяйки незаличима следа. Формирането и разцветът на творчеството на Рахманинов пада върху 1890-1900 г., време, когато в руската култура протичат най-сложните процеси, духовният пулс бие трескаво и нервно. Остро лиричното чувство на епохата, присъщо на Рахманинов, неизменно се свързва с образа на любимата му родина, с безкрайността на нейните широки простори, силата и бурната мощ на нейните стихийни сили, нежната крехкост на цъфтящата пролетна природа.

Талантът на Рахманинов се проявява рано и ярко, въпреки че до дванадесетгодишна възраст той не проявява особено усърдие към системни уроци по музика. Започва да се учи да свири на пиано на 4-годишна възраст, през 1882 г. е приет в Петербургската консерватория, където, оставен на произвола на съдбата, доста се бърка, а през 1885 г. е преместен в Московската консерватория. Тук Рахманинов учи пиано при Н. Зверев, след това А. Силоти; по теоретични дисциплини и композиция – при С. Танеев и А. Аренски. Живеейки в пансион със Зверев (1885-89), той преминава през сурово, но много разумно училище за трудова дисциплина, което го превръща от отчаян мързелив и палав човек в изключително събран и волеви човек. „Най-доброто, което е в мен, го дължа“ – каза по-късно Рахманинов за Зверев. В консерваторията Рахманинов е силно повлиян от личността на П. Чайковски, който от своя страна следва развитието на любимия си Серьожа и след като завършва консерваторията, помага за поставянето на операта „Алеко“ в Болшой театър, знаейки от неговия собствен тъжен опит колко трудно е за начинаещ музикант да си проправи път.

Рахманинов завършва консерваторията по пиано (1891) и композиция (1892) с голям златен медал. По това време той вече е автор на няколко композиции, включително известната Прелюдия в до диез минор, романса „В тишината на тайната нощ“, Първия концерт за пиано, операта „Алеко“, написана като дипломна работа само за 17 дни! The Fantasy Pieces, които последваха, оп. 3 (1892), Елегично трио „В памет на един велик художник“ (1893), Сюита за две пиана (1893), Моменти от музика op. 16 (1896), романси, симфонични произведения - "Скалата" (1893), Капричио на цигански теми (1894) - потвърди мнението на Рахманинов като силен, дълбок, оригинален талант. Характерните за Рахманинов образи и настроения се проявяват в тези произведения в широк диапазон – от трагичната скръб на „Музикален момент” в си минор до химничния апотеоз на романса „Пролетни води”, от суровия спонтанно-волеви натиск на „Музикален момент” в ми минор към най-финия акварел на романса „Остров”.

Животът през тези години беше труден. Решителен и мощен в представянето и творчеството си, Рахманинов по природа беше уязвим човек, често изпитващ съмнение в себе си. Намеса в материални затруднения, светски безпорядък, скитане в странни ъгли. И въпреки че беше подкрепен от близки хора, предимно от семейство Сатен, той се чувстваше самотен. Силният шок от провала на Първата му симфония, изпълнена в Санкт Петербург през март 1897 г., довежда до творческа криза. Няколко години Рахманинов не композира нищо, но изпълнителската му дейност като пианист се засилва и дебютира като диригент в Московската частна опера (1897). През тези години той се запознава с Л. Толстой, А. Чехов, артисти от Художествения театър, започва приятелство с Фьодор Шаляпин, което Рахманинов смята за едно от „най-мощните, дълбоки и фини артистични преживявания“. През 1899 г. Рахманинов за първи път изпълнява в чужбина (в Лондон), а през 1900 г. посещава Италия, където се появяват скици на бъдещата опера „Франческа да Римини“. Радостно събитие беше постановката на операта "Алеко" в Санкт Петербург по повод 100-годишнината на А. Пушкин с Шаляпин в ролята на Алеко. Така постепенно се подготвя вътрешен прелом и в началото на 1900г. имаше връщане към творчеството. Новият век започна с Втория концерт за пиано, който прозвуча като мощна тревога. Съвременниците чуват в него гласа на времето с неговото напрежение, експлозивност и усещане за предстоящи промени. Сега жанрът на концерта става водещ, именно в него основните идеи са въплътени с най-голяма пълнота и всеобхватност. Започва нов етап в живота на Рахманинов.

Всеобщо признание в Русия и чужбина получава неговата пианистична и диригентска дейност. 2 години (1904-06) Рахманинов работи като диригент в Болшой театър, оставяйки в историята си спомена за прекрасните постановки на руски опери. През 1907 г. участва в Руските исторически концерти, организирани от С. Дягилев в Париж, през 1909 г. за първи път свири в Америка, където свири своя Трети клавирен концерт под диригентството на Г. Малер. Интензивната концертна дейност в градовете на Русия и чужбина се съчетава с не по-малко интензивно творчество и в музиката на това десетилетие (в кантатата „Пролет“ – 1902 г., в прелюдиите оп. 23, във финалите на Втората симфония и Третият концерт) има много пламенен ентусиазъм и ентусиазъм. И в такива композиции като романсите „Люляк“, „Тук е добре“, в прелюдиите в ре мажор и сол мажор „музиката на пеещите сили на природата“ звучеше с невероятно проникновение.

Но през същите години се усещат и други настроения. Тъжните мисли за родината и нейната бъдеща съдба, философските размисли за живота и смъртта пораждат трагични образи на Първата соната за пиано, вдъхновена от Фауст на Гьоте, симфоничната поема „Островът на мъртвите” по картината на швейцарския художник А. Бьоклин (1909), много страници от Третия концерт, романси оп. 26. Вътрешните промени стават особено забележими след 1910 г. Ако в Третия концерт трагедията в крайна сметка е преодоляна и концертът завършва с ликуващ апотеоз, то в произведенията, които го последват, той непрекъснато се задълбочава, оживявайки агресивни, враждебни образи, мрачни, депресивни настроения. Музикалният език става по-сложен, широкото мелодично дихание, така характерно за Рахманинов, изчезва. Такива са вокално-симфоничната поема “Камбаните” (на ст. Е. По, прев. К. Балмонт – 1913); романси оп. 34 (1912) и оп. 38 (1916); Етюди-картини оп. 39 (1917). Но именно по това време Рахманинов създава произведения, изпълнени с висок етически смисъл, които се превръщат в олицетворение на непреходна духовна красота, кулминация на мелодиката на Рахманинов – „Вокализ” и „Всенощно бдение” за хор акапела (1915 г.). „От детството си съм очарован от великолепните мелодии на Октоих. Винаги съм чувствал, че за тяхната хорова обработка е необходим особен, особен стил и, струва ми се, го намерих във вечернята. Не мога да не си призная. че първото му изпълнение от Московския синодален хор ми достави един час най-щастливо удоволствие“, спомня си Рахманинов.

На 24 декември 1917 г. Рахманинов и семейството му напускат Русия, както се оказва, завинаги. Повече от четвърт век той живее в чужбина, в САЩ, като този период е изпълнен предимно с изтощителна концертна дейност, подчинена на жестоките закони на музикалния бизнес. Значителна част от хонорарите си Рахманинов използва за материална подкрепа на своите сънародници в чужбина и Русия. И така, цялата колекция за представлението през април 1922 г. е прехвърлена в полза на гладуващите в Русия, а през есента на 1941 г. Рахманинов изпраща повече от четири хиляди долара на фонда за помощ на Червената армия.

В чужбина Рахманинов живее в изолация, ограничавайки кръга си от приятели до имигранти от Русия. Изключение е направено само за семейството на Ф. Стейнуей, ръководител на фирмата за пиано, с когото Рахманинов поддържа приятелски отношения.

Първите години от престоя си в чужбина Рахманинов не напусна мисълта за загубата на творческо вдъхновение. „След като напуснах Русия, загубих желание да композирам. Загубвайки родината си, загубих себе си.” Само 8 години след като заминава в чужбина, Рахманинов се връща към творчеството, създава Четвърти концерт за пиано и оркестър (1926), Три руски песни за хор и оркестър (1926), Вариации на тема на Корели за пиано (1931), Рапсодия на тема на Паганини (1934), Трета симфония (1936), “Симфонични танци” (1940). Тези произведения са последният, най-висок възход на Рахманинов. Тъжно чувство за непоправима загуба, изгарящ копнеж по Русия пораждат изкуство с огромна трагична сила, достигащо връхната си точка в Симфоничните танци. И в брилянтната Трета симфония Рахманинов за последен път въплъщава централната тема на своето творчество – образа на Родината. Строго концентрираната напрегната мисъл на твореца го извиква от дълбините на вековете, той изниква като безкрайно скъп спомен. В сложно преплитане на разнородни теми, епизоди се очертава широка перспектива, пресъздава се драматичен епос за съдбата на Отечеството, завършващ с победоносно житейско утвърждаване. Така че през цялото творчество на Рахманинов той носи ненарушимостта на своите етични принципи, висока духовност, вярност и неизбежна любов към родината, олицетворение на която беше неговото изкуство.

О. Аверянова

• Музей-имение на Рахманинов в Ивановка →
• Произведения за пиано от Рахманинов →
• Симфонични произведения на рахманинов →
• Камерно-инструменталното изкуство на Рахманинов →
• Оперни произведения на Рахманинов →
• Хорови произведения на Рахманинов →
• Романси от Рахманинов →
• Рахманинов-диригент →

Характеристики на творчеството

Сергей Василиевич Рахманинов, заедно със Скрябин, е една от централните фигури в руската музика от 1900 г. Творчеството на тези двама композитори привлече особено голямо внимание на съвременниците, те разгорещено спореха за него, започнаха остри печатни дискусии около отделните им произведения. Въпреки цялото различие на индивидуалния външен вид и образната структура на музиката на Рахманинов и Скрябин, техните имена често се появяват рамо до рамо в тези спорове и се сравняват помежду си. Имаше чисто външни причини за такова сравнение: и двамата бяха ученици на Московската консерватория, които я завършиха почти едновременно и учеха при едни и същи учители, и двамата веднага се откроиха сред връстниците си със силата и яркостта на таланта си, не получиха признание само като изключително талантливи композитори, но и като изключителни пианисти.

Но имаше и много неща, които ги разделяха и понякога ги поставяха на различни страни на музикалния живот. Смелият новатор Скрябин, който открива нови музикални светове, е противопоставен на Рахманинов като по-традиционно мислещ творец, който стъпва върху солидната основа на националното класическо наследство. „G. Рахманинов, пише един от критиците, е стълбът, около който са групирани всички защитници на истинското направление, всички онези, които ценят основите, положени от Мусоргски, Бородин, Римски-Корсаков и Чайковски.

Но въпреки цялата разлика в позициите на Рахманинов и Скрябин в тяхната съвременна музикална реалност, те бяха събрани не само от общите условия за възпитание и израстване на творческа личност в младостта им, но и от някои по-дълбоки черти на общността. . „Бунтевен, неспокоен талант“ - така Рахманинов беше характеризиран някога в пресата. Именно тази неспокойна импулсивност, вълнението на емоционалния тон, характерни за творчеството на двамата композитори, го направиха особено скъпо и близко до широки кръгове на руското общество в началото на XNUMX век, с техните тревожни очаквания, стремежи и надежди .

„Скрябин и Рахманинов са двамата „владетели на музикалните мисли“ на съвременния руски музикален свят <...> Сега те споделят хегемонията помежду си в музикалния свят“, призна Л. Л. Сабанеев, един от най-ревностните апологети на първия и също толкова упорит противник и хулител на втория. Друг критик, по-умерен в преценките си, пише в статия, посветена на сравнителното описание на тримата най-видни представители на Московската музикална школа Танеев, Рахманинов и Скрябин: тонът на съвременния, трескаво интензивен живот. И двете са най-големите надежди на съвременна Русия.

Дълго време доминира възгледът за Рахманинов като един от най-близките наследници и приемници на Чайковски. Влиянието на автора на Пиковата дама несъмнено изигра значителна роля във формирането и развитието на неговото творчество, което е съвсем естествено за възпитаник на Московската консерватория, ученик на А. С. Аренски и С. И. Танеев. В същото време той долавя и някои от чертите на „петербургската“ композиторска школа: развълнуваният лиризъм на Чайковски се съчетава при Рахманинов със суровото епическо величие на Бородин, дълбокото проникване на Мусоргски в системата на древноруското музикално мислене и поетичното възприемане на родната природа на Римски-Корсаков. Но всичко, научено от учители и предшественици, е дълбоко преосмислено от композитора, подчинявайки се на силната му творческа воля и придобивайки нов, напълно самостоятелен индивидуален характер. Дълбоко оригиналният стил на Рахманинов има голяма вътрешна цялост и органичност.

Ако търсим паралели с него в руската художествена култура от края на века, тогава това е преди всичко линията Чехов-Бунин в литературата, лиричните пейзажи на Левитан, Нестеров, Остроухов в живописта. Тези паралели са многократно отбелязвани от различни автори и са станали почти стереотипни. Известно е с каква пламенна любов и уважение се отнася Рахманинов към творчеството и личността на Чехов. Още в по-късните години от живота си, четейки писмата на писателя, той съжаляваше, че не го е срещнал по-отблизо на времето си. Композиторът е свързан с Бунин в продължение на много години от взаимна симпатия и общи художествени възгледи. Те бяха събрани и свързани от страстна любов към родната им руска природа, към признаците на обикновен живот, който вече напуска в непосредствена близост до човека към света около него, поетичното отношение на света, оцветено от дълбоки проникновена лирика, жажда за духовно освобождение и избавление от оковите, сковаващи свободата на човешката личност.

Източникът на вдъхновение за Рахманинов бяха различни импулси, произтичащи от реалния живот, красотата на природата, образите на литературата и живописта. „… Откривам,” каза той, „че музикалните идеи се раждат в мен с по-голяма лекота под влияние на някои извънмузикални впечатления.” Но в същото време Рахманинов се стреми не толкова към пряко отразяване на определени явления от реалността с помощта на музиката, към „рисуване в звуци“, а към изразяване на неговата емоционална реакция, чувства и преживявания, възникващи под влияние на различни получени външно впечатления. В този смисъл можем да говорим за него като за един от най-ярките и типични представители на поетичния реализъм от 900-те години, основната тенденция на който е успешно формулирана от В. Г. Короленко: „Ние не просто отразяваме явленията такива, каквито са и ги правим. не създавайте илюзия от прищявка за несъществуващ свят. Ние създаваме или проявяваме ново отношение на човешкия дух към заобикалящия свят, което се ражда в нас.

Една от най-характерните черти на музиката на Рахманинов, която привлича вниманието преди всичко при запознаване с нея, е най-изразителната мелодия. Сред съвременниците си той се откроява със способността си да създава широко и продължително разгърнати мелодии на голямо дихание, съчетавайки красотата и пластичността на рисунката с ярка и интензивна експресия. Мелодизмът, мелодичността е основното качество на стила на Рахманинов, което до голяма степен определя естеството на хармоничното мислене на композитора и текстурата на неговите произведения, наситени, като правило, с независими гласове, или преминаващи на преден план, или изчезващи в плътна плътност здрава тъкан.

Рахманинов създава свой много специален тип мелодия, основана на комбинация от характерните техники на Чайковски – интензивно динамично мелодично развитие с метода на вариантните трансформации, извършвани по-плавно и спокойно. След бързо излитане или дълго интензивно изкачване до върха, мелодията сякаш замръзва на постигнатото ниво, неизменно се връща към един дълго изпят звук или бавно, с извисяващи се первази, се връща към първоначалната си височина. Възможна е и обратната връзка, когато повече или по-малко дълъг престой в една ограничена височинна зона внезапно се прекъсва от хода на мелодията за широк интервал, въвеждайки сянка на остра лирична експресия.

В такова взаимопроникване на динамика и статика Л. А. Мазел вижда една от най-характерните черти на мелодиката на Рахманинов. Друг изследовател придава по-общ смисъл на съотношението на тези принципи в творчеството на Рахманинов, посочвайки редуването на моменти на „спиране“ и „пробив“, залегнали в много от неговите произведения. (В. П. Бобровски изразява подобна идея, отбелязвайки, че „чудото на индивидуалността на Рахманинов се крие в уникалното органично единство на две противоположно насочени тенденции и техния синтез, присъщ само на него“ – активен стремеж и склонност към „продължително оставане върху това, което е било минало). постигнати."). Склонност към съзерцателна лирика, продължително потапяне в някакво състояние на ума, сякаш композиторът искаше да спре мимолетното време, той съчетаваше с огромна, бързаща навън енергия, жажда за активно самоутвърждаване. Оттук силата и остротата на контрастите в неговата музика. Той се стремеше да доведе всяко чувство, всяко душевно състояние до крайна степен на изразяване.

В свободно разгръщащите се лирични мелодии на Рахманинов, с тяхното дълго, непрекъснато дихание, често се чува нещо подобно на „неизбежната“ широта на руската протяжна народна песен. В същото време обаче връзката между творчеството на Рахманинов и народното песенно творчество е от твърде косвен характер. Само в редки, отделни случаи композиторът прибягва до използването на истински народни мелодии; той не се стреми към пряко сходство на собствените си мелодии с народните. „При Рахманинов“, правилно отбелязва авторът на специална работа върху неговата мелодика, „рядко се появява пряка връзка с определени жанрове на народното творчество. По-конкретно, жанрът често сякаш се разтваря в общото „усещане“ на фолка и не е, както при предшествениците му, циментиращото начало на целия процес на оформяне и превръщане в музикален образ. Многократно се обръща внимание на такива характерни черти на мелодията на Рахманинов, които я доближават до руската народна песен, като плавност на движението с преобладаване на стъпаловидни ходове, диатонизъм, изобилие от фригийски обороти и др. Дълбоко и органично асимилирани от композитора тези черти се превръщат в неотменно свойство на индивидуалния му авторски стил, придобивайки особена експресивна окраска, присъща само на него.

Другата страна на този стил, неустоимо впечатляваща като мелодичното богатство на музиката на Рахманинов, е необичайно енергичен, властно завладяващ и същевременно гъвкав, понякога причудлив ритъм. Както съвременниците на композитора, така и по-късните изследователи пишат много за този специфично рахманиновски ритъм, който неволно привлича вниманието на слушателя. Често именно ритъмът определя основния тон на музиката. А. В. Осовски отбелязва през 1904 г. относно последното движение на Втората сюита за две пиана, че Рахманинов в него „не се страхува да задълбочи ритмичния интерес на формата на Тарантела към неспокойна и помрачена душа, не чужда на атаките на някакъв вид демонизъм в пъти.”

Ритъмът се явява при Рахманинов като носител на ефективен волеви принцип, който динамизира музикалната тъкан и въвежда лиричен „потоп от чувства” в руслото на хармонично архитектурно завършено цяло. Б. В. Асафиев, сравнявайки ролята на ритмичния принцип в произведенията на Рахманинов и Чайковски, пише: „Въпреки това, в последния, фундаменталната природа на неговата„ неспокойна “симфония се проявява с особена сила в драматичния сблъсък на самите теми. В музиката на Рахманинов страстното в своята творческа цялост, съединението на лирико-съзерцателния склад на чувството с волевия организационен склад на „Аз”-а на композитора-изпълнител се оказва онази „индивидуална сфера” на личното съзерцание, което се контролираше от ритъма в смисъла на волевия фактор...“. Ритмичният модел в Рахманинов винаги е много ясно очертан, независимо дали ритъмът е прост, равномерен, като тежките, премерени удари на голяма камбана, или сложен, сложно цветен. Любимо от композитора, особено в творбите от 1910-те години, ритмичното остинато придава на ритъма не само формиращо, но в някои случаи и тематично значение.

В областта на хармонията Рахманинов не надхвърля класическата мажорно-минорна система във формата, която тя придоби в творчеството на европейските романтични композитори, Чайковски и представители на Могъщата шепа. Музиката му винаги е тонално определена и стабилна, но използвайки средствата на класико-романтичната тонална хармония, той се характеризира с някои характерни черти, по които не е трудно да се установи авторството на една или друга композиция. Сред такива специални индивидуални черти на хармоничния език на Рахманинов са например добре познатата бавност на функционалното движение, тенденцията да се стои в един тон за дълго време и понякога отслабването на гравитацията. Обръща се внимание на изобилието от сложни многотерцови формации, редове от не- и недесетични акорди, често имащи по-цветно, фонично, отколкото функционално значение. Свързването на този вид сложни хармонии се осъществява най-вече с помощта на мелодична връзка. Доминирането на мелодично-песенния елемент в музиката на Рахманинов определя високата степен на полифонична наситеност на нейната звукова тъкан: отделни хармонични комплекси постоянно възникват в резултат на свободното движение на повече или по-малко независими „пеещи“ гласове.

Има един любим хармоничен ход на Рахманинов, който той използва толкова често, особено в композициите от ранния период, че дори получава името „хармония на Рахманинов“. Този оборот се основава на намален въвеждащ септакорд на хармоничен минор, обикновено използван под формата на terzkvartakkord със замяна на II степен III и разделяне в тонично тризвучие в мелодична трета позиция.

Преминаването към намалена кварта, което възниква в този случай в мелодичния глас, предизвиква трогателно тъжно чувство.

Като една от забележителните черти на музиката на Рахманинов редица изследователи и наблюдатели отбелязват нейния преобладаващ минорен колорит. И четирите му концерта за пиано, три симфонии, двете сонати за пиано, повечето от етюдите-картини и много други композиции са написани в минор. Дори мажорът често придобива минорен цвят поради намаляващи промени, тонални отклонения и широкото използване на минорни странични стъпки. Но малко композитори са постигнали такова разнообразие от нюанси и степени на експресивна концентрация при използването на минорния тон. Забележката на LE Gakkel, че в етюдите-картини op. 39 „предвид най-широката гама от минорни цветове на битието, минорни нюанси на усещането за живот“ може да се разшири до значителна част от цялото творчество на Рахманинов. Критици като Сабанеев, който таеше предубедена враждебност към Рахманинов, го нарекоха „интелигентен хленч“, чиято музика отразява „трагичната безпомощност на човек, лишен от воля“. Междувременно плътният „тъмен“ минор на Рахманинов често звучи смело, протестно и изпълнено с огромно волево напрежение. И ако тъжните бележки са уловени от ухото, тогава това е „благородната скръб“ на художника-патриот, този „приглушен стон за родната земя“, който беше чут от М. Горки в някои от творбите на Бунин. Подобно на този писател, близък до него по дух, Рахманинов, по думите на Горки, „мислеше за Русия като цяло“, съжалявайки за загубите й и изпитвайки тревога за съдбата на бъдещето.

Творческият образ на Рахманинов в основните си черти остава цялостен и стабилен през целия половинвековен път на композитора, без да претърпява резки счупвания и промени. На естетическите и стилистични принципи, усвоени в младостта си, той е верен до последните години от живота си. Въпреки това можем да наблюдаваме известна еволюция в творчеството му, която се проявява не само в растежа на умението, обогатяването на звуковата палитра, но и частично засяга образната и експресивна структура на музиката. По този път ясно се очертават три големи, макар и неравностойни както по продължителност, така и по степен на продуктивност периода. Те са разграничени един от друг от повече или по-малко дълги временни цезури, ленти на съмнение, размисъл и колебание, когато нито едно завършено произведение не е излязло от перото на композитора. Първият период, който пада на 90-те години на XNUMX век, може да се нарече време на творческо развитие и съзряване на таланта, който тръгна да утвърждава пътя си чрез преодоляване на естествени влияния в ранна възраст. Произведенията от този период често все още не са достатъчно самостоятелни, несъвършени по форма и текстура. (Някои от тях (Първи концерт за пиано, Елегично трио, пиеси за пиано: Мелодия, Серенада, Хумореска) по-късно са преработени от композитора и тяхната текстура е обогатена и развита.), въпреки че в редица техни страници (най-добрите моменти от младежката опера “Алеко”, Елегичното трио в памет на П. И. Чайковски, известната прелюдия в до-диез минор, някои от музикалните моменти и романси), индивидуалността на композитора вече е разкрито с достатъчна сигурност.

През 1897 г. настъпва неочаквана пауза, след неуспешното изпълнение на Първата симфония на Рахманинов, произведение, в което композиторът влага много труд и духовна енергия, което е неразбрано от повечето музиканти и почти единодушно осъдено на страниците на пресата, дори осмивано от някои от критиците. Провалът на симфонията причинява дълбока психическа травма на Рахманинов; според собственото му, по-късно признание, той „беше като човек, който получи инсулт и който за дълго време загуби и главата, и ръцете си“. Следващите три години бяха години на почти пълна творческа тишина, но в същото време концентрирани размисли, критична преоценка на всичко, което е направено преди това. Резултатът от тази интензивна вътрешна работа на композитора върху себе си е необичайно интензивен и ярък творчески подем в началото на новия век.

През първите три-четири години на 23 век Рахманинов създава редица произведения от различни жанрове, забележителни със своята дълбока поетичност, свежест и непосредственост на вдъхновението, в които богатството на творческото въображение и оригиналността на авторския „почерк“ са съчетани с високо завършено майсторство. Сред тях са Втори концерт за пиано, Втора сюита за две пиана, Соната за виолончело и пиано, кантата „Пролет“, Десет прелюдия оп. XNUMX, операта „Франческа да Римини“, някои от най-добрите примери за вокална лирика на Рахманинов („Люляк“, „Откъс от А. Мюсе“), Тази поредица от произведения утвърждава позицията на Рахманинов като един от най-големите и интересни руски композитори на нашето време, което му носи широко признание в средите на художествената интелигенция и сред масите слушатели.

Сравнително кратък период от време от 1901 до 1917 г. е най-плодотворният в работата му: през това десетилетие и половина са написани повечето от зрелите, независими по стил произведения на Рахманинов, които стават неразделна част от националната музикална класика. Почти всяка година носеше нови опуси, чиято поява се превърна в забележително събитие в музикалния живот. С непрекъснатата творческа дейност на Рахманинов, работата му не остава непроменена през този период: в началото на първите две десетилетия в нея се забелязват симптоми на пивоварна промяна. Без да губи общите си „родови“ качества, то става по-сурово в тона, тревожните настроения се засилват, докато директното изливане на лиричното чувство сякаш се забавя, светлите прозрачни цветове се появяват по-рядко в звуковата палитра на композитора, общият колорит на музиката потъмнява и се уплътнява. Тези промени се забелязват във втората серия прелюдии за пиано, оп. 32, два цикъла от етюди-картини и особено такива монументални големи композиции като „Камбаните“ и „Всенощно бдение“, които поставят дълбоки, фундаментални въпроси на човешкото съществуване и житейската цел на човека.

Еволюцията, преживяна от Рахманинов, не убягна от вниманието на неговите съвременници. Един от критиците пише за „Камбаните“: „Рахманинов сякаш е започнал да търси нови настроения, нов начин на изразяване на мислите си… Тук усещате възродения нов стил на Рахманинов, който няма нищо общо със стила на Чайковски. ”

След 1917 г. започва нова пауза в творчеството на Рахманинов, този път много по-дълга от предишната. Едва след цяло десетилетие композиторът се връща към композирането на музика, като аранжира три руски народни песни за хор и оркестър и завършва Четвъртия концерт за пиано, започнат в навечерието на Първата световна война. През 30-те години той написва (с изключение на няколко концертни транскрипции за пиано) само четири, но значими от гледна точка на идеята за големи произведения.

* * *

В среда на сложни, често противоречиви търсения, остра, интензивна борба на посоки, разпад на обичайните форми на художествено съзнание, характеризиращи развитието на музикалното изкуство през първата половина на XNUMX век, Рахманинов остава верен на великата класика традиции на руската музика от Глинка до Бородин, Мусоргски, Чайковски, Римски-Корсаков и техните най-близки, преки ученици и последователи на Танеев, Глазунов. Но той не се ограничава само в ролята на пазител на тези традиции, а активно, творчески ги възприема, утвърждавайки тяхната жива, неизчерпаема сила, способност за по-нататъшно развитие и обогатяване. Чувствителен, впечатляващ художник, Рахманинов, въпреки придържането си към заповедите на класиката, не остава глух за призивите на модерността. В отношението му към новите стилистични тенденции от XNUMX век имаше момент не само на конфронтация, но и на определено взаимодействие.

За период от половин век творчеството на Рахманинов е претърпяло значителна еволюция, а произведенията не само от 1930-те, но и от 1910-те години се различават значително както по своята фигуративна структура, така и по език, средства за музикално изразяване от ранните, все още не напълно самостоятелни опуси от края на предишния. векове. В някои от тях композиторът се докосва до импресионизма, символизма, неокласицизма, макар и по дълбоко своеобразен начин индивидуално да възприема елементите на тези направления. С всички промени и обрати, творческият образ на Рахманинов остава вътрешно много цялостен, запазвайки онези основни, определящи черти, които музиката му дължи на популярността си сред най-широк кръг слушатели: страстен, завладяващ лиризъм, правдивост и искреност на израза, поетична визия за света .

Ю. Хайде

Рахманинов диригент

Рахманинов влезе в историята не само като композитор и пианист, но и като изключителен диригент на нашето време, въпреки че тази страна на неговата дейност не беше толкова дълга и интензивна.

Рахманинов дебютира като диригент през есента на 1897 г. в частната опера Мамонтов в Москва. Преди това не му се наложи да ръководи оркестър и да учи дирижиране, но блестящият талант на музиканта помогна на Рахманинов бързо да научи тайните на майсторството. Достатъчно е да си припомним, че той едва успя да завърши първата репетиция: не знаеше, че певците трябва да посочват въведенията; и няколко дни по-късно Рахманинов вече е свършил работата си перфектно, дирижирайки операта на Сен Санс „Самсон и Далила“.

„Годината на престоя ми в операта на Мамонтов беше от голямо значение за мен“, пише той. „Там придобих истинска диригентска техника, която по-късно ми послужи изключително много.“ През сезона на работа като втори диригент на театъра Рахманинов дирижира двадесет и пет представления на девет опери: „Самсон и Далила“, „Русалка“, „Кармен“, „Орфей“ от Глук, „Рогнеда“ от Серов, „ Миньон” от Том, „Асколдовият гроб”, „Вражеската сила”, „Майска нощ”. Пресата веднага отбеляза яснотата на неговия диригентски стил, естествеността, липсата на поза, желязното чувство за ритъм, предавано на изпълнителите, деликатен вкус и прекрасно усещане за оркестрови цветове. С натрупването на опит тези черти на Рахманинов като музикант започват да се проявяват най-пълноценно, допълвани от увереност и авторитет при работа със солисти, хор и оркестър.

През следващите няколко години Рахманинов, зает с композиция и пианистична дейност, дирижира само от време на време. Разцветът на неговия диригентски талант се пада на периода 1904-1915 г. Два сезона работи в Болшой театър, където интерпретацията му на руски опери се радва на особен успех. Исторически събития в живота на театъра критиците наричат ​​юбилейното представление на Иван Сусанин, което той дирижира в чест на стогодишнината от рождението на Глинка, и Седмицата на Чайковски, по време на която Рахманинов дирижира Пиковата дама, Евгений Онегин, Опричник и балети.

По-късно Рахманинов ръководи представлението на Пиковата дама в Санкт Петербург; рецензенти се съгласиха, че именно той е първият, който разбира и предава на публиката целия трагичен смисъл на операта. Сред творческите успехи на Рахманинов в Болшой театър са и неговата постановка на „Пан Воевода“ от Римски-Корсаков и собствените му опери „Скъперникът“ и „Франческа да Римини“.

На симфоничната сцена Рахманинов от първите концерти се доказа като пълен майстор от огромен мащаб. Епитетът „блестящ” със сигурност е съпътствал отзивите за неговите изяви като диригент. Най-често Рахманинов се появява на диригентския пулт в концерти на Московската филхармония, както и с оркестрите Силоти и Кусевицки. През 1907-1913 г. дирижира много в чужбина – в градовете на Франция, Холандия, САЩ, Англия, Германия.

Репертоарът на Рахманинов като диригент е необичайно многостранен в онези години. Той успя да проникне в най-разнообразните по стил и характер произведения. Естествено, руската музика беше най-близка до него. Той възроди на сцената почти забравената по онова време симфония на Бородин, допринесе за популярността на миниатюрите на Лядов, които той изпълнява с изключителен блясък. Неговата интерпретация на музиката на Чайковски (особено на 4-та и 5-та симфонии) се отличава с изключителна значимост и дълбочина; в произведенията на Римски-Корсаков той успя да разгърне най-ярката гама от цветове за публиката, а в симфониите на Бородин и Глазунов завладя публиката с епична широта и драматична цялост на интерпретацията.

Един от върховете на диригентското изкуство на Рахманинов е интерпретацията на сол-минорната симфония на Моцарт. Критикът Волфинг пише: „Какво значат многото написани и отпечатани симфонии преди Рахманиновото изпълнение на симфонията g-moll на Моцарт! …Руският артистичен гений за втори път претворява и разкрива артистичната природа на автора на тази симфония. Можем да говорим не само за Моцарт на Пушкин, но и за Моцарт на Рахманинов…”

Наред с това в програмите на Рахманинов откриваме много романтична музика – например Фантастичната симфония на Берлиоз, симфониите на Менделсон и Франк, увертюрата „Оберон“ на Вебер и фрагменти от оперите на Вагнер, поемата на Лист и Лиричната сюита на Григ… А до нея – великолепно изпълнение на съвременни автори – симфонични поеми на Р. Щраус, произведения на импресионистите: Дебюси, Равел, Роже-Дюкас… И разбира се, Рахманинов беше ненадминат интерпретатор на собствените си симфонични композиции. Известният съветски музиколог В. Яковлев, който е слушал Рахманинов повече от веднъж, си спомня: „Не само публиката и критиците, опитни оркестранти, професори, артисти признаха неговото лидерство като най-високата точка в това изкуство ... Неговите методи на работа бяха свежда се не толкова до шоу, а до отделни реплики, подли обяснения, често той пееше или под една или друга форма обясняваше това, което преди това беше обмислил. Всички, присъствали на концертите му, си спомнят тези широки, характерни жестове на цялата ръка, не идващи само от четката; понякога тези негови жестове се смятаха за прекалени от оркестрантите, но те му бяха познати и разбираеми от тях. Нямаше изкуственост в движенията, позите, нямаше ефект, нямаше рисуване с ръка. Имаше безгранична страст, предшествана от размисъл, анализ, разбиране и вникване в стила на изпълнителя.

Нека добавим, че диригентът Рахманинов е бил и ненадминат ансамблист; солисти в неговите концерти са артисти като Танеев, Скрябин, Силоти, Хофман, Казалс, а в оперни спектакли Шаляпин, Нежданова, Собинов...

След 1913 г. Рахманинов отказва да изпълнява произведения на други автори и дирижира само собствените си композиции. Едва през 1915 г. той се отклони от това правило, като дирижира концерт в памет на Скрябин. Въпреки това дори по-късно репутацията му на диригент беше необичайно висока в целия свят. Достатъчно е да се каже, че веднага след пристигането си в САЩ през 1918 г. му е предложено да ръководи най-големите оркестри в страната – в Бостън и Синсинати. Но по това време той вече не можеше да отделя време за дирижиране, принуден да провежда интензивна концертна дейност като пианист.

Едва през есента на 1939 г., когато в Ню Йорк е организиран цикъл от концерти от произведенията на Рахманинов, композиторът се съгласява да дирижира един от тях. След това оркестърът на Филаделфия изпълни Третата симфония и камбаните. Той повтаря същата програма през 1941 г. в Чикаго, а година по-късно режисира изпълнението на „Островът на мъртвите” и „Симфонични танци” в Игън Арбър. Критикът О. Дауне пише: „Рахманинов доказа, че притежава същото умение и контрол върху изпълнението, музикалност и творческа сила, ръководейки оркестъра, което показва, когато свири на пиано. Характерът и стилът на свиренето му, както и дирижирането му, поразяват със спокойствие и увереност. Това е същата пълна липса на показност, същото чувство за достойнство и очевидна сдържаност, същата възхитителна властна сила. Направените по това време записи на „Островът на мъртвите“, „Вокализация“ и „Третата симфония“ са ни запазили свидетелство за диригентското изкуство на блестящия руски музикант.

Л. Григориев, Й. Платек