Игор Фьодорович Стравински |
Игор Стравински
…Роден съм в грешното време. По темперамент и наклонности, като Бах, макар и в друг мащаб, трябва да живея в неизвестност и да творя редовно за установената служба и Бог. Оцелях в света, в който съм роден... Оцелях... въпреки измамата на издателите, музикалните фестивали, рекламите... И. Стравински
... Стравински е истински руски композитор ... Руският дух е неразрушим в сърцето на този наистина велик, многостранен талант, роден от руската земя и жизнено свързан с нея ... Д. Шостакович
Творческият живот на И. Стравински е жива история на музиката от 1959-ти век. Той, като в огледало, отразява процесите на развитие на съвременното изкуство, любознателно търсещо нови пътища. Стравински си спечели репутацията на смел подривник на традицията. В музиката му възниква множество стилове, непрекъснато пресичащи се и понякога трудни за класифициране, за което композиторът печели прозвището „човек с хиляди лица” от своите съвременници. Той е като Фокусника от неговия балет „Петрушка”: той свободно движи жанрове, форми, стилове на своята творческа сцена, сякаш ги подчинява на правилата на собствената си игра. Като твърди, че „музиката може да изрази само себе си“, Стравински все пак се стреми да живее „con Tempo“ (т.е. заедно с времето). В „Диалози“, публикувани през 63-1945 г., той си спомня уличните шумове в Петербург, празненствата на Масленица на Марсово поле, които според него му помогнали да види своя Петрушка. И композиторът говори за Симфонията в три части (XNUMX) като за произведение, свързано с конкретни впечатления от войната, със спомени за зверствата на кафявите ризи в Мюнхен, на които той самият почти стана жертва.
Универсализмът на Стравински е поразителен. Тя се проявява в широчината на обхващане на явленията на световната музикална култура, в разнообразието на творческите търсения, в интензивността на изпълнителската – пианистична и диригентска – дейност, продължила повече от 40 години. Мащабът на личните му контакти с изключителни хора е безпрецедентен. Н. Римски-Корсаков, А. Лядов, А. Глазунов, В. Стасов, С. Дягилев, художници от „Света на изкуството“, А. Матис, П. Пикасо, Р. Ролан. Т. Ман, А. Жид, К. Чаплин, К. Дебюси, М. Равел, А. Шьонберг, П. Хиндемит, М. дьо Фала, Г. Форе, Е. Сати, френските композитори от групата на шестте – тези са имената на някои от тях. През целия си живот Стравински е в центъра на общественото внимание, на кръстопътя на най-важните художествени пътища. Географията на живота му обхваща много страни.
Стравински прекарва детството си в Санкт Петербург, където според него „беше вълнуващо интересно да се живее“. Родителите не се стремят да му дадат професията на музикант, но цялата ситуация благоприятства музикалното развитие. В къщата постоянно звучеше музика (бащата на композитора Ф. Стравински беше известен певец на Мариинския театър), имаше голяма художествена и музикална библиотека. От детството Стравински е очарован от руската музика. Като десетгодишно момче той има късмета да види П. Чайковски, когото боготвори, посвещавайки му много години по-късно операта "Мавра" (1922) и балета "Целувката на феята" (1928). Стравински нарича М. Глинка „героят на моето детство“. Той високо оценява М. Мусоргски, смята го за „най-правдивия” и твърди, че в собствените му писания има влияния от „Борис Годунов”. Приятелски отношения възникнаха с членовете на кръга Беляевски, особено с Римски-Корсаков и Глазунов.
Литературните интереси на Стравински се формират рано. Първото истинско събитие за него е книгата на Л. Толстой „Детство, юношество, младост“, А. Пушкин и Ф. Достоевски остават идоли през целия му живот.
Уроците по музика започват на 9 години. Това са уроци по пиано. Въпреки това Стравински започва сериозни професионални изследвания едва след 1902 г., когато като студент в юридическия факултет на Петербургския университет започва да учи при Римски-Корсаков. В същото време той се сближава със С. Дягилев, художниците от „Светът на изкуството“, посещават „Вечери на модерната музика“, концерти на нова музика, аранжирани от А. Силоти. Всичко това послужи като тласък за бързо художествено съзряване. Първите композиторски експерименти на Стравински – Соната за пиано (1904), вокално-симфонична сюита „Фавн и овчарка“ (1906), Симфония в ми бемол мажор (1907), Фантастично скерцо и фойерверки за оркестър (1908) са белязани от влиянието на на школата Римски-Корсаков и френските импресионисти. Но от момента, в който балетите „Жар птица“ (1910), „Петрушка“ (1911), „Пролетта свещена“ (1913), поръчани от Дягилев за „Руските сезони“, са поставени в Париж, настъпва колосален творчески подем в жанр, който Стравински в Той особено обича по-късно, защото, по думите му, балетът е „единствената форма на театрално изкуство, която поставя задачите на красотата и нищо повече като крайъгълен камък“.
Триадата от балети открива първия - "руски" - период на творчество, наречен така не заради мястото на пребиваване (от 1910 г. Стравински дълго време живее в чужбина, а през 1914 г. се установява в Швейцария), а благодарение на особеностите на музикално мислене, което се появи по това време, дълбоко по същество национално. Стравински се обръща към руския фолклор, чиито различни пластове са пречупени по много особен начин в музиката на всеки от балетите. Жар-птица впечатлява с изобилна щедрост от оркестрови багри, ярки контрасти на поетична хороводна лирика и огнени танци. В “Петрушка”, наречена от А. Беноа “балетно муле”, звучат популярни в началото на века градски мелодии, оживява шумната пъстра картина на празненствата на Масленицата, на която се противопоставя самотната фигура на страдащия. Петрушка. Древният езически ритуал на жертвоприношение определя съдържанието на „Свещения извор”, който въплъщава стихийния импулс за пролетно обновление, могъщите сили на разрушението и съзиданието. Композиторът, потапяйки се в дълбините на фолклорната архаика, така радикално обновява музикалния език и образи, че балетът прави впечатление на взривена бомба на неговите съвременници. „Гигантски фар на XX век“ го нарече италианският композитор А. Касела.
През тези години Стравински композира интензивно, като често работи върху няколко произведения, които са напълно различни по характер и стил наведнъж. Това са например руските хореографски сцени "Сватбата" (1914-23), които по някакъв начин повтарят "Повестта на пролетта", и изящно лиричната опера "Славей" (1914). Приказката за лисицата, петела, котката и овцата, която възражда традициите на театъра на буфоните (1917), е в съседство с Историята на един войник (1918), където руският мелос вече започва да се неутрализира, падайки в сферата на конструктивизма и джазовите елементи.
През 1920 г. Стравински се премества във Франция и през 1934 г. приема френско гражданство. Това е период на изключително богата творческа и изпълнителска дейност. За по-младото поколение френски композитори Стравински става най-висшият авторитет, „музикалният майстор“. Но провалът на кандидатурата му за Френската академия за изящни изкуства (1936), непрекъснато укрепващите бизнес връзки със Съединените щати, където той два пъти изнася успешни концерти, а през 1939 г. изнася курс от лекции по естетика в Харвардския университет – всичко това го накара да се премести в началото на Втората световна война в Америка. Установява се в Холивуд (Калифорния) и през 1945 г. приема американско гражданство.
Началото на „парижкия“ период за Стравински съвпада с рязък завой към неокласицизма, въпреки че като цяло общата картина на творчеството му е доста пъстра. Започвайки с балета "Пулчинела" (1920) по музика на Дж. Перголези, той създава цяла поредица от произведения в неокласически стил: балетите "Аполон Мусагет" (1928), "Карти за игра" (1936), "Орфей" (1947); операта-оратория Едип цар (1927 г.); мелодрамата Персефона (1938); операта „Ходът на рейка“ (1951); Октет за духови инструменти (1923), Симфония от псалми (1930), Концерт за цигулка и оркестър (1931) и др. Неокласицизмът на Стравински има универсален характер. Композиторът моделира различни музикални стилове от епохата на Й. Б. Лули, Й. С. Бах, К. В. Глук, като цели да установи „господството на реда над хаоса“. Това е характерно за Стравински, който винаги се е отличавал със стремежа си към строга рационална дисциплина на творчеството, недопускаща емоционални преливания. Да, и самият процес на композиране на музика Стравински извършва не по прищявка, а „ежедневно, редовно, като човек с официално време“.
Именно тези качества определят особеностите на следващия етап от творческата еволюция. През 50-60-те години. композиторът се потапя в музиката на епохата преди Бах, обръща се към библейски, култови сюжети и от 1953 г. започва да прилага твърдо конструктивна додекафонична техника на композиране. Свещен химн в чест на апостол Марк (1955), балет „Агон“ (1957), паметник за 400-годишнината на Джезуалдо ди Веноза за оркестър (1960), кантата-алегория „Потопът“ в духа на английските мистерии от 1962 век. (1966), Реквием („Песнопения за мъртвите“, XNUMX) – това са най-значимите творби от това време.
Стилът на Стравински в тях става все по-аскетичен, конструктивно неутрален, въпреки че самият композитор говори за запазването на националния произход в творчеството си: „Цял живот говоря руски, имам руски стил. Може би в моята музика това не се вижда веднага, но е присъщо за нея, то е в нейната скрита природа. Една от последните композиции на Стравински беше канон по темата на руската песен „Не се люлее борът на портите“, който беше използван по-рано във финала на балета „Жар птица“.
Така, завършвайки своя жизнен и творчески път, композиторът се върна към произхода, към музиката, която олицетворява далечното руско минало, копнежът по който винаги присъстваше някъде в дълбините на сърцето, понякога пробивайки в изявленията и особено засилен след Посещението на Стравински в Съветския съюз през есента на 1962 г. Тогава той изрича знаменателните думи: „Човек има едно място на раждане, една родина – и мястото на раждане е основният фактор в неговия живот.“
О. Аверянова
- Списък на основните произведения на Стравински →
